“一念之间，万般流变。”在北京南阳共享际剧场的导览现场，长笛艺术家华姵向观众阐释《青·白一念》的核心命题时，如是说道。
2026年初夏，华姵携音乐剧场作品《青·白一念》以影像形式亮相北京，参与“2026两岸戏剧影像展”。本次影像展由北京市文联、北京海峡两岸民间交流促进会主办，北京戏剧家协会承办，以戏剧为纽带，搭建两岸文化交流桥梁。这部以《白蛇传》为原型、将长笛与京剧融为一体的跨界作品，让白蛇的身体与青蛇的声音在剧场中展开对话，为北京观众带来了一场别具一格的艺术体验。
何为“和而不同”?何为“文化同源”?在《一念》的起落之间，一场关于跨界、传统与创新的深度对话在一部剧中展开。
一念之起：当声音成为角色
《青·白一念》 以千年经典《白蛇传》为蓝本，跳出既定剧情，开启一场命运假设：若青蛇初心不改、白蛇另做抉择、许仙坚守挚爱、法海放下执念，这段流传千古的悲剧，是否会改写结局?这正是该剧贯穿始终的叩问。
“我的祖籍是浙江杭州。”华姵笑着说。从小听父亲讲《白蛇传》的故事，她与这个传说结下了不解之缘。从第一部作品《雷峰塔1924》到如今的《青·白一念》，《白蛇传》始终是她创作的母题。
整部作品的核心创作起点，源于华姵的一个设问：“如果一个角色没有身体、没有演员，只剩下声音，那他还存在吗?声音到底能不能演戏?”在《青·白一念》中，她给出了自己的回答：青蛇是声音，白蛇是身体。白蛇由台湾传统戏曲表演团体国光剧团资深京剧演员朱安丽以京腔演绎，青蛇则由一支长笛“演”出。“白蛇透过京剧而存在，青蛇透过长笛而存在，” “这个作品，是声音和身体之间的对话。”华姵一句话点透了这幕剧的创作密码。
谈到为何以影像形式呈现作品，华姵认为剧场演出“只存在于当下”，而影像能够突破时空限制，“让作品继续呼吸”。《青·白一念》曾获广艺基金会云舞台奖跨界大奖首奖，正是这份认可推动作品跨越海峡走进北京。
从巴黎师范音乐学院的古典殿堂，到金钟奖、金曲奖的跨界领奖台;从古典演奏家到华剧场的创始人——长笛艺术家华姵始终在打破边界。
当被问及京剧与长笛出现“不兼容”时，她会舍弃什么?她的回答很干脆：“我不会舍弃任何一方，我找的是它们对话的方式。” 她认为，音乐不需要翻译，它自己能对话。关键在于找到“同源”的锚点。“什么是同源?是情绪，是呼吸，是人的本能。长笛的气音和京剧的哭腔，其实是同一件事。”
“中华文化本就流淌在我们的血脉之中，”正如两岸多位文化界人士所指出的，“两岸文化交流不应该只是单向的文化传递，更要迈向‘双向奔赴’‘同频共振’”。华姵在“两岸戏剧名师对话”发言中也表示，希望通过古典音乐与传统戏曲的融合，“用艺术打破隔阂”，期待未来能有更多两岸艺术跨界合作。
在她看来，中西方艺术并非割裂的两端，而是植根于同一文化土壤的情绪表达。“我学了法国现代技术，还是要回过头来跟京剧对话，”她说，“任何艺术创作都离不开根的滋养，只要根稳固了，长出来的东西才会更扎实。”
长笛破界：从优雅到叙事
传统交响乐中，乐器模仿自然声响多被视作装饰性技巧。但在这部剧场创作中，长笛的功能突破了配乐的边界，进入了戏剧叙事本身。“长笛不是技术，不是效果，已经是一种表演语言。”
华姵将长笛表演分为古典、流行和剧场三种形态——古典音乐始终是她创作与演奏最重要的根;流行是她担任罗大佑春龙交响乐团长笛首席时，用长笛与其他十几位乐手碰撞出的精彩;而剧场则带有明确的情绪与叙事指向，这一创作自觉，既来自法国现代演奏技法的训练，更来自她对戏曲美学的长期浸润。正如当前舞台艺术评论所言，跨界融合不应沦为元素堆砌，而应立足自身艺术本体，吸收多元养分以丰富表达，实现真正的“化合反应”。她曾与豫剧、歌仔戏、京剧等多个剧种合作，前后花了七八年时间学习表演。“我离开舒适圈，跨界让我去接触不一样的表演艺术，水到渠成。”
现场导览中，华姵赤脚站在台上，举起长笛。那笛声如泣如诉，如风如电，瞬间抓住了观众的注意力。西湖游湖时的俏皮灵动、水漫金山时的急促倔强——气音破碎如叹息，微分音扭曲如蛇行，快速吐音如雨打芭蕉，将小青从天真好奇到焦灼抗争的情绪变化层层展开。
谈到对角色的理解，华姵说：“小青是最通透的一个人。”在她看来，小青虽道行不如白蛇，却早早看透了人性。透过笛声的演绎，一个活生生的小青诞生了——不同于以往任何版本，她是叛逆的、清醒的。
演出结束后，华姵向观众鞠躬致意，特别感谢广艺基金会执行长杨忠衡老师。她表示，正是云舞台奖为这部作品创造了跨越海峡与北京观众见面的契机。在如潮掌声中，观众纷纷涌上前去，驻足交流。人群中，一位八十多岁的老奶奶格外激动：“我活了八十多年，从没见过这样的演出!传统的剧目用这种形式演，年轻人一定喜欢，我这个老太太也特别喜欢。”真诚朴素的表达，或许正是对“跨界”最直接的肯定。
下一程：在西湖雨中，等一个“如果”
《青·白一念》的结局是开放的。剧中反复叩问“如果”——如果白蛇听从了小青的建议，如果没有遇见许仙，如果法海不再执着于人妖之别。华姵说，这些“如果”不仅是戏剧叙事中的假设，更是对人性可能性的探寻。这些追问映射着她自身的创作信条：“我很叛逆，不会把自己禁锢在一种形式中。”经典之所以历久弥新，正因其蕴含无限解读空间与对话的可能。
谈到未来，华姵的眼睛亮了起来。“我一直很想做《红楼梦》。作品名字叫‘情笛十二钗’——长笛化身贾宝玉，金陵十二钗各用一种乐器代表。”至于《青·白一念》，她最大的心愿是让它回到祖籍杭州，在西湖边复演。
经典之所以不朽，正因为它容纳了无数个“如果”。每个“如果”，都是对命运的重新想象;每次叩问，都是对艺术边界的拓展。
从巴黎到中国台北，从雷峰塔到西湖边，《青·白一念》以一支长笛串联起传统与现代、东方与西方的艺术语汇。这不仅是千年传说的一次当代演绎，更是两岸文化交流中一次富有探索意义的艺术实践。当笛声在西湖雨中回荡，那些关于“如果”的叩问，仍在等待下一个回响。
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